Por segunda vez aparece por aquí un tema de los Zeppelin, donde Jimmy Page eleva la pentatónica menor a los altares del rock. Y luego dicen algunos (entre los que me incluyo) que esta escala se queda pequeña y quieren añadir más notas... Aquí está el mejor ejemplo de como pueden dar de sí las cinco notas.

De nuevo vuelven las acusaciones de plagio a la banda por el comienzo de la canción, similar a una de la banda Spirit, con los que habian coincidido en una gira; y con su relación con el satanismo debido a los famosos mensajes ocultos si oías la canción del revés. Vemos que los dos sambenitos de los Zeppelin son difíciles de evitar...

Aunque la relación de Page con el mundo de lo oculto es innegable, incluso desde mucho antes de que se dedicara a la música, en esta ocasión la letra, que es bastante ambigua y abierta a numerosas interpretaciones, fue escrita por Robert Plant y basada en un libro que estaba leyendo por aquellos momentos y que trataba sobre la magía de los celtas.

La canción está compuesta por varias partes en las que se entremezclan guitarras acústicas y eléctricas, de ahí el hecho que en directo la tuviera que tocar con una Gibson de dos mástiles. Al final nos quedó un clásico que perdura en el tiempo y que muestra la unidad de la banda, que era lo que ellos en definitiva querían mostrar; de hecho, nunca fue editada como single.

¿Qué hago: me quedo o me voy? That´s the question que dirían los de la pérfida Albión.

Dudas, dudas y más dudas en una relación amorosa al parecer sin mucho futuro. Al estilo "cuelga tú, no cuelga tú mi amor" pero en el otro lado de la balanza. Otros dicen que se refiere a la mala relación de Mick Jones (guitarrista y cantante) con la banda en los tiempos precedentes a su expulsión de la misma. Lo que sí da rabia es que los Clash no se comieran un colín con el tema y que se hiciera hiper mega conocido unos años después por un anuncio de pantalones.

Recuerdo con emoción (y palpitaciones) mis años mozos, cuando era uno de los únicos temas que daban pie a hacer un poco el gamberro en los disco-pubs de moda, y estar al borde del infarto cuando la canción llegaba a su parte acelerada.

De nuevo tenemos cuatro acordes bien colocados: Re Sol Re, Sol Fa Sol y ¡tachán!: otro clásico del rock and roll.

Oigo un tren que se aproxima, pero no puedo marchar en él. Estoy encerrado en la prisión de Folsom sin ver el amanecer desde hace tanto tiempo que ya ni me acuerdo. Qué razón tenía mi madre cuando me decía que fuera un chico bueno y no jugara con pistolas. No le hice caso. Maté un hombre en Reno por simple capricho y ahora estoy aquí encerrado pagando mis penas. Seguro que en ese tren viajan ricachones comiendo, bebiendo y fumando bien. Como los envidio mientras me pudro aquí. Si pudiera subir a ese tren me marcharía muy lejos de esta prisión, que es donde quiero estar. Ser libre y dejar de cantar esta triste canción.

Johnny Cash se inspiró en una película sobre la prisión de Folsom para escribirla. Y eso fue lo que le llevó también unos años después a dar conciertos para los internos de centros penitenciarios. Una bonita y sencilla de tocar canción country (típica progresión I-IV-V y un fácil punteo) que ha sido versioneada por multitud de artistas de diferente estilo entre los que destaco a Bob Dylan y al Reverendo Horton Heat.

Hoy hablaré más de un fenómeno que de una canción especialmente recordada por su solo de guitarra, que no es el caso.

A mediados de los ochenta, el Heavy Metal, el Rock Duro y aquellos estilos musicales que quedaban fuera de la onda pop más vigente, quedaban fuera de la aprobación social. No era extraña la identificación de jóvenes melenudos con vaqueros estrechos, camisetas negras con dibujos diabólicos y zapatillas J'Hayber, con la de delincuentes en alza. Pero unos chicos del lejano norte sueco vinieron con su melodía y sus cardados a popularizar y a suavizar la imagen del heavy metal. En pocos días el soniquete de la melodía fue corriendo de boca en boca, y todos los chavales del colegio tarareaban la canción y hacían uso quizás por primera vez de aquello que después fue conocido como spanglish. Como si de una epidemia se tratara, la fiebre de la cuenta final pobló todo el colegio, el barrio y el país. Recuerdo incluso que en las fiestas colegiales, el salón de actos albergó más de uno y dos playbacks donde las futuras huestes del metal hacian sus primeros pinitos sobre el escenario.

Después llegó una balada pastelera llamada Carrie, que hizo a muchos de aquellos nuevos iniciados seguir buscando en otras bandas aquel sonido e indumentaria que tanto les había marcado, porque el germen del rock ya había brotado dentro de ellos. Yo formé parte de aquellas generaciones y aunque a día de hoy resulte cómico recordar a los Europe, reconozco que abrieron un camino muy importante para que los chavales empezáramos a oir buen rock sin que nuestras madres temieran por nuestro futuro.

Aún resuena en el inconsciente colectivo aquel estribillo: It´s the final countdown, ninonino, ninoninoni, ninonino... o a saber lo que decíamos por entonces.

No es raro encontrar en los temas de Iron Maiden referencias históricas y épicas. En parte es debido a su cantante Bruce Dickinson, licenciado en Historia y amante del tema, aunque en este caso fue el bajista Steve Harris el que escribió el tema.

The Trooper está basada en la carga de la caballería ligera que tuvo lugar en la batalla de Balaclava en 1854 durante la guerra de Crimea. En el video se pueden ver imágenes de la película y versos del poema del mismo título del británico Alfred Lord Tennyson.

La canción narra la gesta heroica de los seiscientos jinetes que se lanzaron en ataque suicida contra las tropas rusas, mejor pertrechadas y armadas con numerosos cañones. Quizás era la oportunidad perfecta para que la banda hiciera apología del Imperio Británico ante tamaña hazaña y sin embargo narran el hecho desde el punto de vista de un jinete anónimo que sabe que va directo a la muerte aunque no le importa porque está cumpliendo su deber.

Desde el punto de vista guitarrístico destaca el ritmo imitanto el galope de los caballos durante la carga y el solo a dos guitarras del principio, recurso diferenciador del sonido Iron Maiden. El efecto causado con la música es totalmente acertado ya que incita a unirse al ataque nada más escucharla. Yo que no tengo caballo, cuando la escucho de camino al trabajo siento como mis pilas se cargan para afrontar una dura jornada con el ánimo por las nubes.

¡Al ataquerrrrrrr!

Que levante el muñón todo aquel aspirante a guitarrista que no haya tocado o al menos intentado la intro de este tema. Como me suponía no veo ninguno.

No está nada mal para esta canción haberse convertido en clásico del rock, dado que surgió de una jam session mientras Slash hacía ejercicios para calentar sus dedos y vacilaba un rato a sus compañeros de banda. Siguiendo el juego se unió el batería, luego el otro guitarra con los acordes y finalmente Axl Rose declamando una poesía dedicada a su amada novia. Cinco minutos de gloria plena de inspiración dieron fruto al único número uno de la banda californiana. Además el solo del tema es también uno de los más aclamados, estando entre los mejores de todos los tiempos.

Otro ejemplo más de que el espíritu del rock puede surgir en cualquier momento y en cualquier lugar. Estad atentos.

Ni no ni no ni no ni no ni no ni no no ni no ni no...

La efímera vida de los primeros Trogloditas (abreviadamente Troggs) dio para unos cuantos hits que quedaron para siempre en la lista de Clásicos del Rock. La canción más famosa fue sin duda Wild Thing, original de Chip Taylor y que tanto en la composición musical como en la letra luce la sencillez más brillante, encontrando de nuevo el secreto del rock and roll. Llegó al número uno en Julio de 1966 (cuarenta y cuatro años nos contemplan).

No me referiré más a la forma de tocarla porque el Maestro Ociosu ya la tradujo al idioma muñón en sus clases de iniciación, y en cuanto a la letra encontramos el eterno mensaje del "creo que te quiero pero quiero asegurarme, ven abrázame, haces que mi corazón cante... " Todo perfecto.

Es considerada por muchos origen del Garage Rock, la psicodelia o el punk. ¿Habéis visto lo que puede dar de sí un La, Re, Mi?

Ánimo compañeros muñones, el mundo del rock es así.

Ritchie Blackmore, guitarrista bueno donde los haya aunque de carácter un tanto agrio, se estaba cansando ya de los nuevos aires un tanto apartados del rock que estaba tomando Deep Purple. Buscando nuevos caminos coincidió en una gira americana con una "vocecita" que le mostró el camino a seguir. No era otra que la de Ronnie James Dio, cantante de los teloneros Elf. Juntos deciden formar una de las bandas míticas del rock: Rainbow.

La banda fue un constante ir y venir de músicos que colmaran los caprichos y cambios de ideas de Blackmore, hasta que el propio Dio se cansó y se largó a Black Sabbath, a sustituir nada más y nada menos que a Ozzy Osbourne.

Long Live Rock and Roll es como su nombre indica un himno a esta música que tanto nos gusta y que hoy suena en homenaje al pequeño gran hombre que le dio voz durante tantos años. Hasta siempre Dio.

El pabellón ondea bien alto

con un juramento y un grito que es:

¡Larga vida al Rock n' Roll!

Lo sientes hondo, difúndelo,

haz la música, así debe ser.

Hoy quiero homenajear a este americano de origen indio por todo lo que aportó al mundo del guitarreo, entre las que se encuentran "nimiedades" tales como el primer uso de la distorsión o de los power chords.

Veterano de la guerra de Corea, allí contrajo la tuberculosis con la consiguiente pérdida de un pulmón y la incapacidad de por vida para cantar. Este hecho no le hizo abandonar la música, sino que lo dirigió hacia el mundo de las canciones instrumentales, entre las que destaca su famoso Rumble, que contiene el secreto para convertirse en un gran clásico del rock: sencillez y eficacia.

Cuatro acordes ReM, MiM, LaM y Si7 y una escala pentatónica menor de Mi en primera posición desde la primera cuerda a la sexta y listo. Esta combinación junto con su sonido particular conseguido a base de agujerear los altavoces de su amplificador y una buena dosis de palanca hacen el resto.

Los grandes héroes de la guitarra: Pete Townsend, Jeff Beck, Duff McKagan, Jimmy Page, Jimi Hendrix, Marc Bolan, Neil Young y Bob Dylan, le incluyen entre sus grandes referencias. Todo un rocker, si señor.

Seguramente muchos de mis compañeros de quinta recordarán como hace ya unos años (mundo viejuno), al llegar estas fechas aparecía en televisión un anuncio que decía algo así como:

Tu vida cambió. No eres como ayer.

Hoy todo es mejor, sabes elegir.

Tu limón es Schweppes.

Venía a decir que ya eras mayor y podías hacer cosas de mayores, como beber lo que quisieras o echarte una novia por ejemplo. Todo esto viene a cuento porque la sintonía del anuncio era la de la canción de Police que hoy tratamos.

Una canción que todo el mundo ve de forma positiva y romántica, exaltadora del amor juvenil y demás parafernalia que envuelve al ciego proceso del enamoramiento. Y no es así ya que la letra del tema habla de un personaje siniestro y perseguidor que se podría comparar a muchos obsesos sexuales que andan por ahí detrás de alguna pobre chica causándole problemas y ansiedad.

Llegué a pensar que el culpable de este malentendido era el anuncio de la bebida refrescante, pero parece ser que en otros paises del mundo ocurre igual, y eso que ellos si entienden la letra sin necesidad de traducciones. Otro curioso ejemplo de lo subjetivo que es esto del rock and roll, además de un buen ejercicio de guitarra para estirar los dedos.

Este tema es archiconocido en nuestro país gracias a la versión que hicieron Siniestro Total en honor de su terra galega. Pero esconde un trasfondo de polémica entre sus creadores, los sureños por excelencia Lynyrd Skynyrd, y Neil Young que criticó en su canción Southern Man y Alabama el pasado racista y esclavista de los estados sureños. La contestación a esta afrenta fue uno de los temas más famosos del rock and roll.

No se sabe realmente hasta que punto llegó este enfrentamiento, ya que Neil Young suele tocar en directo la canción y Ronnie Van Zant, el difunto cantante de los Lynyrd solía lucir camisetas de Young, incluso se dice que fue enterrado con una de ellas. Como digo, la frontera entre afinidad e ironía no está clara.

Quitando la estrofa dedicada al señor Young, la canción está dedicada a los estudios Muscle Shoals, donde grabaron grandes músicos sureños como Bo Diddley o Aretha Franklin acompañados por The Swampers, la banda de músicos del estudio, muy famosa y aclamada en Alabama.

Una bonita canción RE, DO, SOL ideal para practicar en cualquier reunión de amigos, y si son gallegos mucho mejor.

Tiempos difíciles corrían en Irlanda en los años 60. Los padres del joven Rory educaron a su hijo en un ambiente musical y pronto salieron a relucir sus cualidades artísticas. Superando la dificultad de conseguir discos oyendo la radio y tocando en la orquesta Fontana para pagar su primera guitarra, también aprendió a tocar el saxo, el banjo, la mandolina, el bajo y el sitar.

Con los Fontana tuvo oportunidad de salir de Irlanda y tener acceso a discos, libros de guitarra y dinerito fresco para pagar su Strato. Después formó Taste con los que saltó al estrellato y finalmente su larga carrera en solitario. Lástima que su mala afición al alcohol combinada con el consumo de fármacos terminaran por agujerear su maltrecho hígado. Rory se sometió a un transplante pero complicaciones posteriores acabaron con su vida. Un tipo del que Clapton dice que fue el que le hizo volver al Blues no debe ser olvidado.

Siempre unido a su Fender Stratocaster del 61, es curiosa la forma en que la consiguió ya que fue la primera que aterrizó en Irlanda. Otro músico la había encargado en color rojo cereza y al llegar una sunburst se deshizo de ella vendiéndola por 100 libras. Rory cambió las pastillas, los afinadores y ajustó la electrónica interior a su gusto. Pero el hecho  que más la identifica es el desgaste del acabado sunburst. Fue debido al raro grupo sanguineo de Rory que convertía su sudor en ácido.

Os recomiendo, como haría también Rosendo, que escucheis al bueno de Rory y que se mantenga vivo su espíritu, tantas veces injustamente olvidado.

Felicidades Señor Rosendo Mercado por su cincuenta y seis cumpleaños y por toda su vida dedicada al rock. Haga partícipes a sus compañeros de banda Ramiro Penas, Tony Urbano y al desaparecido Chiqui Mariscal por la parte que les toca.

Ya no soy tan joven, pero si lo suficiente para haber tenido la mala suerte de no haber podido ver a Leño en directo, aunque me quité la espina viéndole a usted en épocas más recientes. Intercalaba su repertorio propio con los temas ya clásicos de Leño logrando que mi imaginación me elevase y transportase a bordo de un Tren a garitos pequeños llenos de humo y olor a cerveza, con las paredes retumbando a golpes de Stratocaster y Marshall acompañados por una voz inconfundible.

Porque sepa que le he defendido en alguna ocasión cuando algún gurú de las seis cuerdas comentaba que usted sólo sabía tocar cuatro cosas. ¡Ay pobre iluso que no sabía ver que ahí estaba el secreto! Tocar sencillo y llegar al corazón del público.

He leído sobre sus desavenencias con Jose Carlos Molina en los tiempos de Ñu, y sobre el origen del nombre de la banda. Aún no tengo claro quien dijo que las canciones que uno u otro componía eran un leño, supongo que serían cosas de la envidia y del éxito mal llevado. Yo me quedo con los frutos.

Recuerdo con ironía la grabación del disco Más Madera, con un Teddy Bautista (mala onda lo lleve) metiendo teclados y sonidos que no venían a cuento. Y tras unos breves años el adios definitivo, salvo efimeras reuniones, y el paso al mundo de la leyenda.

Muchas gracias de nuevo por habernos dado tan buenos ratos y por lo que es más importante, por habernos enseñado Maneras de Vivir el rock.

Atentamente: Licerrock Gibson.

Hay dos constantes que se repiten en la historia de esta megabanda. Una es su relación con el mundo de lo oculto y otra sus numerosas acusaciones de plagio. No quiero decir con ello que sean una banda a menospreciar sino todo lo contrario, ya que nos encontramos ante uno de los mitos vivos del rock and roll.

He oído mil veces decir a gente entendida que Jimmy Page lo único que hacía era coger los riffs clásicos del blues y del rock y adaptarlos a sus canciones. En el caso de este tema se acusó a la banda de haber copiado la letra de "You need love", un tema que grabaron en 1962 Muddy Waters y Willie Dixon. Algo de razón tendría ya que el largo y tedioso pleito judicial dio la razón veinte años después a Dixon, que fue incluido en los créditos de Whole Lotta Love.

La que es cierta al cien por cien es la relación con lo oculto sobre todo de Jimmy Page, fanático de la obra de Tolkien y seguidor del inquietante mago Aleister Crowley. Aquí nos encontramos con la manida historia de las canciones al revés y los supuestos mensajes satánicos que en forma subliminal esconden.

Olvidémonos de estos detalles y quedémonos con la música, disfrutando del sonido de la combinación de Les Paul y Marshall que tan bien une Jimmy Page, uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos. Y por supuesto escuchándola "palante" como hemos hecho toda la vida.

Ya lo decía mi padre, si quieres llegar sano y salvo a tu destino sigue por la autopista y no cojas atajos. Pero nadie le hace caso a los padres y menos sus hijos y así nos va. Aquí estoy yo, perdido en medio de no sé donde, sirviendo de ejemplo.

Ni GPS ni guías Michelín han sabido decirme donde me encuentro. Pero no todo es malo hoy, por lo menos llevo a AC/DC sonando a volumen brutal en el MP3 del coche y allá a lo lejos se ve un pueblo. Parece que llego a buen puerto.

Maldito pueblo de mala madre. Nada más entrar en él, todos los lugareños se han quedado mirando mi coche y mis pintas como si fuera un demonio salido del infierno. Me detuve a preguntar donde me encontraba, y al bajar la ventanilla y oir el Back in Black salieron todos despavoridos. Para acabar la función al momento se me acerca el sheriff del lugar, que me hace bajar del coche para cachearme y registrar mis pertenencias porque dice que huele a sustancias ilegales. Mientras comprobaba mi documentación en la cartera, he podido observar su cara de envidia y lujuria al ver la foto de mi novia ¿te gusta eh, bribón? A saber que harías con ella tú que te llamas defensor de la ley. Tú y los que os decís buenos seguro que teneis más pecados que esconder que yo, que sólo soy joven y rockero. Sabeis lo que os digo: Me piro de vuestro pueblo de mierda porque ¡Mi rollo es el rock!

Barón Rojo, paladines del heavy metal nacional, consiguieron dar el salto internacional y haciendo honor al hombre que les da nombre, el Barón Manfred Von Rischtoffen, bombardearon las Islas Británicas con sus potentes himnos a la música rock. Se codearon con los grandes Ian Gillian de Deep Purple, Bruce Dickinson de Iron Maiden o Michael Schenker de UFO entre otros. Fueron aclamados en grandes festivales como el de Reading en 1982. Después tuvieron unos años oscuros con separaciones y cambios de formación, hasta la actualidad, cuando de nuevo la banda original se ha reunido de nuevo, algo que parecía extremadamente difícil.
Larga vida al Barón y al Rock and Roll.

El famoso presentador de televisión Ed Sullivan era reacio a llevar a Elvis a su programa, pero la audiencia mandaba y al final accedió. Un joven y despeinado Elvis interpretó un breve Hound Dog censurado de cintura para abajo. El resultado: sesenta millones de telespectadores de audiencia.

Sólo un mes después Elvis vuelve al programa.  Esta vez viene repeinado y más chulo que un ocho. Interpreta de nuevo el Hound Dog, esta vez completo. Pero no sólo la canción está entera, también lo está el cuerpo del Rey. A cada golpe de cadera que da, las chicas del público gritan hasta desgañitarse. El mito ha nacido para ser inmortal y lo llaman Elvis la Pelvis.

Escrita por Leiber y Stoller y grabada originalmente por la cantante Big Mama Thornton, es un clásico blues de doce compases que puesto en voz femenina se queja de un marido mujeriego que engaña a su mujer. Elvis cambió la letra y la puso en voz masculina convirtiéndose en una canción rebelde por excelencia.

No sentía miedo sino terror cuando en mi tierna infancia, allá por los años ochenta, veía en alguna ocasión a los Kiss. Aquellos tipos maquillados y vestidos con aquellas ropas tan estrafalarias y aquel otro con su lengua tan larga no podían ser nada bueno. A ésta primera impresión se sumaban los comentarios de mi padre tachándolos con mil adjetivos poco recomendables.

Todo esto retrasó mi escaso valor para escuchar alguna de sus canciones hasta bastante años después, y cuando lo hice, descubrí algo muy distinto a lo que esperaba encontrar. Eran unos personajes con serias aficciones hacia el consumo de sustancias poco recomendables y con un afán mujeriego fuera de lo normal, pero sobre todo eran una banda de rock and roll.

Me imaginaba sonidos estridentes, voces guturales y música de más allá de las fronteras del heavy metal más extremo, y sin embargo encontré himnos al Rock and Roll (y al acercamiento y conquista del sexo femenino) como el que se trata hoy. Una chica sedienta de rock and roll calienta con sus bailes y sus promesas a unos ya de por sí calientes músicos. Todo un espectáculo.

Aprovecho para recomendar la película Detroit Rock City - Cero en Conducta, que narra las aventuras de unos jovencitos yankees que se escapan de casa para ir a un concierto de los Kiss. Espero que a los afortunados que hayan conseguido entradas para su próxima gira no les hagan pasar tantas penurias.

Sí señor, que el Rock and Roll dure toda la noche y la fiesta todos los días.

Keith Richards dormía apaciblemente en un hotel de Florida en medio de la tercera gira americana de los Stones. Aún no eran una gran banda de rock, les faltaba un gran éxito para superar el escalón final hacia el estrellato.

No sabemos a ciencia cierta que cenó Keith aquella noche. Puede que acompañara su menú con una cerveza, un agua mineral o quien sabe si alguna sustancia ilegal a los ojos de la ley federal. Lo cierto es que tuvo un sueño. Una melodía daba vueltas en su sonmolienta cabecita. Tuvo la feliz idea de levantarse y entre bostezo y bostezo grabarla en una cassette. Había nacido el quizás más famoso riff de toda la historia del rock. Mick Jagger le añadió la letra pensando en fustraciones juveniles y a partir de aqui todo es historia, los Rolling Stones subieron al Olimpo del Rock y nosotros los pobres muñones mortales nos conformamos con tocar la canción de la insatisfacción para intentar parecernos a ellos.

Recuerdo lo bien que combinaba la canción en la banda sonora de la película Apolypse Now, mientras el protagonista remonta un río en Vietnam a bordo de una barcaza y los soldados tienen un momento de evasión haciendo el cabra mientras suena el tema. Inolvidable.

Inspirado en la película Johnny cogió su fusil, narra de manera excepcional la ilusión de un soldado que ha perdido sus sentidos y extremidades por la explosión de una mina terrestre. Es un grandísimo ejemplo de como el lenguaje musical acompaña a la letra transportándonos y guiándonos a través de las sensaciones del protagonista.

La parte más lenta y melódica de la canción relata como el soldado cree estar vivo en su ensoñación, hasta que despierta en la cama de un hospital rodeado de tubos y se da cuenta de su terrible situación. La canción va acelerando y aumenta en agresividad a medida que el soldado se ve prisionero en su cuerpo inútil y desea la muerte porque está viviendo un infierno. El tema ha recibido varios premios por su solo y por el video que hasta tiene un Grammy, cosa que a mí me da igual.

Metallica, una gran banda que tristemente se une al elenco de pérdidas del rock con la desaparición de su bajista Cliff Burton. Destacar que su primer guitarrista Dave Mustaine fue expulsado del grupo por sus problemas con el alcohol y sus continuas broncas con los demás miembros de la banda. Después de su expulsión fundó Megadeth y se convirtió en uno de los grandes guitarristas del metal. Su sustituto fue Kirk Hammett, que no es manco precisamente, y que tuvo la inmensa suerte de tener como maestro nada más y nada menos que a Joe Satriani. No nos quejemos, que nosotros tenemos a Ociosu, nuestro venerado guía a través del mástil y las seis cuerdas.

Llevaba un tiempo estrujándome el cerebro para decidir cual podía ser la primera banda española en aparecer en este blog. Muchas fueron las posibilidades que se me ocurrieron pero al final me decanté por este gran tema de Los Bravos.

La razón principal es, aparte de llevar el riff marcado en mi memoria desde mi tierna infancia, que fue el único grupo español con cierta repercusión fuera de nuestras fronteras. Nada más y nada menos que llegaron al número 2 en el Reino Unido y al 4 en Estados Unidos. Tiene bastante mérito (creo que ninguna otra banda de por aquí ha conseguido algo parecido) por haberlo logrado en el año 1966, cuando nuestras fronteras no estaban demasiado abiertas hacia el exterior, salvo para alguna que otra sueca.

Un dato curioso es que durante sus grabaciones en el Reino Unido, el Sindicato de Músicos Británicos obligaba a que los músicos contratados fueran de aquel país, así que Los Bravos sólo pusieron sus voces y coros. Se rumorea, como en el caso de Los Kinks y su You Really Got Me, que Jimmy Page era uno de los músicos de sesión.

Os preguntareis como el cantante puede cantar en inglés con tan buen acento, al contrario que la mayoría de los españolitos con nuestra fuerte pronunciación. El cantante Michael Volker Kogel era de origen alemán y fue uno de los pilares de su éxito internacional.

Animaos a tocarla con la guitarra, que esta es facilita y tiene muchas posibilidades para versionearla en cualquier estilo.

Mis maltrechos oídos rockanrolleros captan algo en la distancia. No distingo bien que puede ser, parece un motor de motocicleta acercándose. Sí, ahora estoy seguro, es una moto pero hay algo más. Viene acompañado por una potente guitarra y un grito de libertad. Me dice ponte en marcha, sal a la carretera a buscar aventuras y lo que se cruce por el camino porque has nacido para ser libre.

La película Easy Rider asoció por los siglos del siglos este temazo de Steppenwolf al mundo de las motos. También se le atribuye la acuñación del término Heavy Metal presente en uno de sus versos para etiquetar un tipo de música que por aquel entonces estaba aún en pañales.

En definitiva, un clásico que tiene el poder de animar al personal y ponerlo a rockear en cuanto se oye su estribillo, lleno de buen rollo y optimismo.

No podía faltar en esta sección el himno muñón por excelencia, que además esconde tras su letra una historia basada en hechos reales.

En 1971 los Deep Purple viajaron a la ciudad suiza de Montreaux para grabar un disco utilizando el famoso estudio móvil de los Rolling Stones. Dicho estudio había sido emplazado en el complejo turístico del Casino de Montreux, donde casualmente iba a tocar Frank Zappa. Durante el concierto un impresentable disparó una bengala que chocó contra el techo e incendió todo el casino. El humo que se expandió sobre el vecino lago Ginebra dio título a la canción.

Sin sitio para grabar el disco, los Deep Purple vagabundearon por la tranquila Suiza, siendo denunciados por los vecinos y desalojados por la policía debido al ruido que metían en sus ensayos. Al final grabaron su album Machine Head en el Grand Hotel de Montreaux.

Son curiosas las críticas que suele hacer Richie Blackmore a las interpretaciones de la canción, que aunque es considerada como básica para guitarristas aficionados, se suele tocar mal. Según él se debe tocar con cuartas (cómo bien mostró el maestro Ociosu) y no de otra forma.

Parece que no andamos desencaminados en nuestra peregrinación muñona.

Quizás alguna vez se os pasado por la cabeza hacer algo insólito para dominar de una vez nuestra querida guitarra. Incluso los más atrevidos puede que hayan pensado vender su alma al diablo para tener las seis cuerdas a sus pies. Si sois de estos últimos escuchad primero la historia de Robert Johnson y luego os lo pensais dos veces.

Hacía calor aquella noche en el delta. El joven Robert Johnson caminaba sin rumbo por las afueras de Clarksdale, Mississipi, cerca del cruce de la 61 y la 49, cuando sintió un poco de aire fresco correr y pensó que aquel era un buen lugar para descansar. Dejó su guitarra en el suelo y se sentó sobre un piedra mientras secaba el sudor de su frente con un pañuelo desgastado.
Comenzaba a recuperar el aliento cuando una presencia le sobresaltó. Delante de el estaba plantado un hombre alto de color, vestido con un traje impecable y un cigarro humeante en los labios.
-¿Sabes tocar muchacho? le dijo señalando a la guitarra.
-Aún estoy aprendiendo, respondió. Pero algo se tocar.
-Toca algo para mi entonces.
El joven Robert desenfundó la guitarra y tras afinarla con torpeza, comenzó a tocar y cantar un viejo blues.
Mientras tocaba, el hombre alto no paraba de observar y sonreir, y cuando acabó la canción le dijo:
-No lo haces mal, pero yo puedo hacer que lo hagas mucho mejor.

Tras su encuentro con el maligno, Johnson se convirtió en uno de los intérpretes más legendarios de blues, pero la suerte le duró poco, pues murió al poco tiempo. Unos dicen que tuvo que pagar su deuda con el diablo y otros simplemente que murió a manos de un marido celoso (Johnson no sólo usaba las manos para tocar la guitarra, ya que era un mujeriego redomado).

Nos dejó dos fotografías y veintinueve temas grabados en unas sesiones maratonianas. Uno de ellos es Crossroads, que trata según parece de su famoso encuentro con el maligno y la venta de su alma. Mil versiones se han hecho pero yo me quedo con la de Cream interpreada en directo en su Farewell Concert (Royal Albert Hall 1968), con Eric Clapton tocando a la velocidad del mismísimo diablo nunca mejor dicho.

Si aún os quedan ganas de probar suerte con el lado oscuro, dirigios con vuestra guitarra a medianoche al cruce más solitario que os quede cerca y probad suerte. Espero vuestras noticias.

En este tema se me va a ver el plumero porque considero a la Creedence mi grupo favorito. Es difícil escoger una canción entre todo su repertorio y sin embargo me quedo con esta porque fue la primera que escuche conscientemente de ellos (después me daría cuenta de que había escuchado muchas más pero sin saber que eran suyas).

En el año 69, cuando la población americana todavía dudaba entre seguir apoyando la guerra de Vietnam o dejar de hacerlo, el bueno de John Fogerty tenía muy claras las cosas. Ya se había dado cuenta de quien iba a la guerra: los hijos de las familias humildes, los negros... y todos aquellos que no tenían la suerte de ser un "hijo afortunado" cuyo padre era senador, millonario o un alto cargo en el país. Un buen ejemplo de chico afortunado fue el desastroso George Bush Junior que se escaqueó de la guerra gracias a su padre.

Esta canción denuncia todo esto con una estructura de guitarra básica Sol-Fa-Do, cuya sencillez y rotundidad le dan una fuerza increible al tema. Ese es el secreto de la Creedence, temas sencillos que llegan más hondo que el más virtuoso de los instrumentistas. Si no los conocías, ya estás perdiendo el tiempo si no los estás escuchando.

Pocos podrán creer que un grupo Mod dejara su semilla para el posterior nacimiento del Hard Rock o el Heavy Metal, pero así fue y se lo debemos a los Kinks y más concretamente a su compositor Dave Davies.

Con sólo diecisiete añitos y presionado por su discográfica, que los amenazó con largarlos si no conseguían un hit, no se le ocurrió otra cosa al muchachito que colocar en el amplificador cuchillas de afeitar con alfileres para conseguir ese sonidazo. Hay quienes atribuyen la autoría del riff a Jimmy Page, aunque si bien es cierto que estuvo presente durante la grabación, sólo se dedicó a tocar la pandereta.

Este temazo ha sido versionado montones de veces, algunos dicen que la más famosa es la de Van Halen, pero a mí la que más me gusta es la de Mott The Hoople, en plan instrumental y donde la guitarra solista canta la letra de la canción.

Como el video original está ya publicado en el blog del Power Pop, os dejo el de la versión y así conoceis otra pedazo de banda de rock and roll.

Bienvenidos muchachos a la escuela del rock. Me alegra veros llenos de energía y entusiasmo en vuestro primer día de colegío. Hoy os presentaré la asignatura básica de esta escuela, la Ramonología, que todo buen rockero debe aprender desde su más tierna infancia. ¿Estais preparados para empezar a derrochar toda esa energía acumulada? Pues gritad todos conmigo: HEY, HO, LET'S GO!

La canción hace referencia a la guerra relámpago que utilizaban los nazis en la Segunda Guerra Mundial, ataques rápidos y contundentes que no dejaban tiempo de reacción al enemigo. Un claro ejemplo de lo que son los temas ramonianos, descargas de energía punkrock de tres o cuatro acordes a velocidad de vértigo que te hacen moverte quieras o no quieras.

La segunda lección del día será enchufar la distorsión y empezar a practicar quintas lo más rápido y lo mejor ligadas que puedas. Tus vecinos te lo agradecerán. One, two, three, four...!

Hace calor esta noche en Texas. Pero más calor tengo yo después de oir los rumores sobre "El Gallinero de Lanville". Ya veo las luces a lo lejos y no sé si es mi imaginación pero creo oir mi nombre pronunciado por mil voces chillonas que me llaman. Dicen que siempre está lleno pero yo ya no me echo para atrás. ¿Me acompañas?

Así homenajeaban en el 73 los ZZ Top a la casa más divertida de Texas, un pequeño burdel famoso por un musical del mismo nombre. Para mí es uno de los temas más emblemáticos del rock and roll, con ese ritmo frenético que me recuerda a una locomotora que se acerca a plena potencia y al final de la canción la guitarra imitando a las gallinas.

"La Pequeña Vieja Banda de Texas" es un grupo fiel a sus principios, tanto en la formación que no ha variado en cuarenta años, como a sus barbas, que no se afeitan ni por un millón de dólares.

Cómo me gustan las guitarras de Billy Gibbons, tanto su personalizada Gretsch como las que le hace John Bolin. En fin, después de visitar La Grange me dejaré crecer la barba a ver si se nos pega algo (ladillas no por supuesto).

Layla fue el mayor éxito, y a tiro pasado, de esta efímera banda que sólo duró lo suficiente para grabar un disco. Por aquel entonces Eric Clapton estaba enamorado de la modelo Pattie Boyd, que estaba casada con el beatle George Harrison y ella no le correspondía.

Clapton se inspiró en una leyenda persa que hablaba de una princesa llamada Layla que era obligada a casarse con un hombre al que no amaba, volviéndose loco su verdadero amor el joven Majnun. Con el tiempo Clapton consiguió su propósito casándose con Pattie, aunque la cosa no salió bien porque en aquella época el Señor Manolenta estaba metido en drogas y alcohol.

En este album participó Duane Allman, aportando su guitarra slide en varios temas. Tocaba el slide al final del mástil y así conseguía sonidos más agudos de lo normal. La canción se compone de dos partes, la primera más guitarrera y la segunda con un toque de piano.

Me hace gracia cada vez que la escucho en la radio como la suelen cortar, deshaciéndose de la parte del piano. Ya sabeis como empieza: Ti no ni no ni no niiiiiiii, ni no ni no ni...

Todo empezó, como no, tras un concierto del Dios Hendrix. Jack Bruce y Eric Clapton asistieron al evento y al volver a casa de madrugada a Bruce le vino la inspiración para crear el riff de la canción. Clapton añadió posteriormente el estribillo "I've been waiting so long..."

Podrá parecer otra canción de amor clamando por la cercanía de la mujer amada, pero lo que la hace realmente especial es el sonido de la guitarra de Clapton, algo que él llamó "woman tone".

Muchos han intentado emular ese sonido pero no es tan fácil de conseguir. El gran Clapton lo hizo combinando una Gibson SG del 64 (pintada en plan psicodélico), un pedal wah-wah y amplificadores Marshall de válvulas. Parece ser que lo importante de la guitarra es que tenga pastillas Humbucker porque también usaba Les Paul para llegar al woman tone, y por supuesto las válvulas del amplificador.

Bueno, pues aquí va la receta para emular a "mano lenta":

1. Se pone el selector de pastillas en la posición media, el tono de la pastilla del puente al 6-7, la del mástil a tope.


2. Se ponen las válvulas del Marshall al rojo vivo para que distorsionen con los controles agudo, medio y grave a tope.


3. Y el toque de maestro consiste en dejar al wah-wah abierto del todo y moverlo ligeramente cuando sea preciso, aquí el resultado final ya no depende de la electrónica sino de la sensibilidad del intérprete.

Si no os sale no desespereis porque no sereis los únicos que no lo consiguieron.

Orgulloso de sí mismo andaba el diablo en el verano de 1970. La guerra de Vietnam en su apogeo, la guerra fría más caliente que nunca, la juventud perdiéndose entre los vericuetos de la droga... No se le estaba dando nada mal su trabajo, no señor. Regodeándose en sus escabrosos pensamientos estaba cuando oyó una llamada. Desde la fría e industrial Birminghan alguien estaba interpretando su tritono, la quinta disminuida que tanto le gustaba. En el 67 otro joven guitarrista de Seattle también lo había llamado y le gustó tanto que estaba a punto de llevárselo a sus dominios para siempre. Pero ahora estaba muy ocupado, mejor esperar hasta el final del verano. Decidió darse una vuelta por el Reino Unido a ver quien le llamaba.

Cuatro muchachos criados a base de blues y dificultades sociales habían cruzado al lado oscuro. Se cambiaron el bondadoso nombre de Earth por el más macabro Black Sabbath, influidos por la película de terror Las tres caras del miedo y por la inquietante visita nocturna de una figura encapuchada al batería. Parecía que el trabajo estaba hecho, pero faltaba un pequeño detalle, un momento de inspiración que llegó al final de la grabación de su segundo disco. Hacía falta otra canción para rellenar el lp cuando el guitarrista Tony Iommy empezó a tocar el riff de Paranoid y en media hora estaba lista. Fue tan buena que pasó de simple relleno a dar nombre al disco.

Tony es un gran ejemplo de superación guitarrera, ya que a pesar de perder las puntas de los dedos de su mano derecha en un accidente laboral, no se vino abajo y siguió tocando con unas pequeñas prótesis. Podríamos nombrarlo patrón de los muñones para animar al personal a seguir tocando.

Febrero de 1980. La ciudad de Londres amanece como único testigo de la marcha de Bon Scott. Tras una noche de excesos, el cantante de AC/DC nos abandona tomando la autopista hacia el infierno que hasta hacía bien poco salía de su garganta. Sus compañeros de banda reciben tal mazazo, que incluso se plantean la disolución del grupo. Pero al bravo escocés no le hubiera gustado ese final, no estaba a la altura de su carácter guerrero y rebelde. La banda lo comprende y le buscan el mejor sustituto posible, Brian Johnson, uno de los cantantes preferidos de Bon.

No olvidan a su compañero caído, saben que ya nunca morirá. Ha pasado a otro mundo, al de los mitos del rock, y así será para siempre. Lo homenajean con un disco de riguroso luto que comparte nombre con la canción que le dedican. Dice:

"vuelvo de negro, olvídate del coche fúnebre porque nunca moriré. Soy el mejor de los mejores. Soy una fuente de energía".

Y eso es lo que refleja este temazo: tres acordes (mi-re-la) y una pentatónica menor. ¿Sencillo? Transmite toda la energía que se necesita para resucitar a un muerto. Y cada vez que alguien la toca, Bon Scott se levanta de su tumba y llena con su espíritu a los que tienen la suerte de escucharlo.

"Porque he vuelto a ponerme en marcha y estoy por encima de las críticas, porque sí, he vuelto. He vuelto de negro".