Blues Company es una banda alemana con 24 elepés en su haber, es la más longeva de su país y, desde luego,  la más importante. El 8 de enero lanzan su último disco de estudio, es el número 25 "O'Town Grooves", en el que cuentan con la colaboración de Gordon Beadle al saxo en el tema "Things won't be the same" y de Ana Popovic a la guitarra en "I'm scared to move".

Incansables, respirando blues, con más de 3000 conciertos desde que ofrecieron el primero en el ya lejano 1976.

En el otoño de 2006, el premiado productor y guionista de Hollywood Ian Gurvitz llamó a la puerta de Blues Co. para incluir en su película "L.A. Blues" el tema "Blue and Lonesome" del elepé "Keepin' the blues alive", lo cual supuso un hito.

Disfruta de este álbum en tu emisora de Blues favorita, Radio Garito de Blues este viernes 23 de abril a partir de las 22.00h, y a los amigos suramericanos recordarles que hay un segundo pase también a las 22.00h hora argentina. Te esperamos!!

El hombre de los seis dedos tuvo el honor de ser el primer artista en grabar un disco para el sello Alligator, pero antes de eso tuvo una evolución como tantos otros músicos nacidos y criados en el Sur y emigrados a ciudades industriales (Chicago en este caso).

Hay algunos puristas que afirman que el estilo guitarrístico de Hound Dog Taylor era rudimentario y limitado. Para este humilde cronista no era otra cosa que afilado, saturado, potente y abrasivo; ideal para lo que él hacía. Compañero de fatigas de Elmore James y Rice Miller (Sonny Boy Williamson)  tardó bastante en ser reconocido. Era un artista que necesitaba sentirse arropado, cómodo y tranquilo, sin esos factores estaba perdido y así pasó cuando le dieron la oportunidad de actuar en el American Folk Blues Festival ante miles y miles de estudiantes blancos, pálidos, flacos y barbudos. El concierto no fue gran cosa y se volvió a Chicago. Pero ya otra vez en su terreno destacó tanto otra vez que le ofrecieron el contrato discográfico arriba señalado.

Y es que no era su técnica, sino su sentimiento lo que hay que destacar de él. De la noche al día sus grabaciones poblaron las emisoras de FM y se convirtió en una celebridad. Fama de la que pudo disfrutar poco tiempo. En diciembre de 1975 un cáncer se llevó al gran Sabueso del blues de Chicago. Siempre será un gran genio.

Imagínense que llegan ustedes a un teatro, se sientan cómodamente en su butaca y se disponen a disfrutar de un desfile con los mejores intérpretes a la armonica en la historia del blues.

Desde sus principios, con las primeras grabaciones registradas y durante todo el camino hasta llegar a los innovativos y modernos intérpretes de nuestros días, con este gran instrumento que define al blues como ningún otro.

Pues esto es lo que sucede con este Concierto, llamado History Of The Blues Harmónica Concert!

Grabado en directo durante una clase Master de armonica en 1977, presenta a algunos de los mas importantes y respetados interpretes y maestros de blues en armonica, tal como lo son Joe Filisko, David Barrett, Dennis Gruenling y Kinya Pollard, en un concierto en donde demuestran algunos de los mas importantes estilos, sonidos y temas de las raíces de la armonica y el blues.

Disfralo el próximo Viernes 9 de Abril a las 22.00 hora española en tu Garito de Blues en internet.

Label: BackBender Records Año: 2010

Y si eres de Latinoamérica también a las 22.00 hora argentina.

El blues como tal nace del crisol en el que se unen las raices africanas de los esclavos negros y las europeas colonialistas. Cantos y estilos de todo tipo y de todo origen, paganos, religiosos, picantes, inocentes, amorosos, laborales...

La fertil franja que circula a lo largo y ancho del rio Misisipí fue una cantera asombrosa de músicos y, aunque las raices (del todo imprecisas) de la gestación del Blues se encuentran en las últimas décadas del siglo XIX, no sería hasta los años veinte del pasado siglo que empezrían a ser conocidos o a haber constancia de la existencia de músicos como Charley Patton, gracias en gran medida a la cada vez mayor implantación de gramófonos, a la movilidad de los songsters o bluesmen y a la labor de historiadores, folcloristas y cazatalentos que hacían las veces de cronistas de su época.

Estos bluesmen serían los precursores históricos y remotos en el tiempo de esa figura glamurosa, poco terrenal y mítica de lo que hoy conocemos como "estrella del rock".

Todos tenemos mañanas en las que nos cuesta arrancar, el disco del que hablamos hoy es ideal para conseguir ese empujoncito extra que nos hace falta para llegar al trabajo o simplemente salir del letargo del sueño. El elepé es el mítico directo que Stevie Ray Vaughan ofreció en el Carnegie Hall de Nueva York el 4 de octubre de 1984. Un concierto con el que Stevie quería celebrar su cumpleaños junto a su hermano Jimmie, sus padres e infinidad de amigos.

Stevie venía de grabar dos álbumes muy celebrados y que consiguieron encumbrarle en la cima del éxito más absoluto. Desgraciadamente ese éxito también venía acompañado de cantidades industriales de alcohol y cocaina que habían contribuido a su peligrosa manera, a forjar un músico sólido, rocoso, furioso y genial que hacía las cosas sintiendolas en todo momento. Se trataba del típico músico cuyos conciertos dejanban en pañales a sus elepés de estudio.

Añadió a su clásica formación de power trio una sección de vientos, también a Dr. John a las teclas y una segunda guitarra con su hermano Jimmie. En el concierto del Carnegie Hall repasó lo mejor (casi todo) de sus dos primeros discos y echó los restos. Más que un directo al uso es un documento importante, histórico y emotivo y que, a su manera, marcaba un punto de inflexión en la carrera y en la vida misma de Stevie, como músico y como persona.

Black Rock fue grabado en los Estudios Black Rock, en Santorini, Grecia, de ahí el nombre del álbum. Tiene alguna influencia griega, como en el corte Bird On A Wire uno de los cortes sobresalientes de este CD el cual tiene un clarinete en la introducción y tal vez una mandolina en el fondo fusionada con la batería. Es un cover a Leonard Cohen y nuevamente Bonamassa nos muestra su excelente habilidad para los arreglos, transformando no solo este, sino tambien Spanish Boots de Jeff Beck y Three Times A Fool de Otis Rush.
Una de las primicias de este álbum es el cover que Joe hace del tema Night Life de Willie Nelson contando con la siempre increíble presencia de B.B. King para interpretarla a su lado, el hombre que reconoció el talento de Joe a una edad temprana. Joe y B.B. tocan y cantan complementándose uno al otro muy bien.
Sus estilos a la guitarra son totalmente diferentes, pues mientras B.B. toca más suavemente, Joe es más agresivo. Sin embargo saben manejar muy bien sus estilos para complementarse uno al otro dando como resultado una excelente interpretación.

Podréis oirlo esta noche día 19 de marzo, viernes en vuestro garito de blues favorito.

La vida de Robert Leroy Johnson fue corta y agitada. Su madre, Julia Dodds, se casó tres veces. La primera vez con un granjero que se vio obligado a dejar su tierra, la segunda con el padre de Robert que también se fue y que cambió su nombre por otro. Tras esto último Julia se vuelve a casar y Robert crece en Robinsonville, Misisipí con su padrastro y su madre.

Ya de pequeño aprende a tocar la armónica y un poco más tarde la guitarra. Aún en Robinsonville fue tutelado por viejos bluesmen como Charley Patton o Willie Brown.

Hacia principios de 1929 Johnson se casa con Virginia Travis Penton y, tras trasladarse a una plantanción cercana a Robinsonville, se convierte en aparcero. Nadie sabe qué habría sido de la vida de Robert si su esposa Virginia no hubiese fallecido en abril de 1930 durante el parto del hijo de ambos. Pero el destino tiene estas cosas y su leyenda comenzó a forjarse lenta pero inexorablemente en ese pundo de su vida.

Tan solo días después de todo esto el gran Son House, que venía de grabar su primer disco para la Paramount Records, llegaría a Robinsonville para trabajar con Willie Brown. El joven Robert se quedó prendado del carisma y de la música de House decidiendo así que su vida estaría dedicada al cien por cien a la música.

Tras esto Johnson se largó a Hazelhurst donde conoció a Ike Zinnerman, que también, tras, Patton y Brown, se convertiría en su maestro definitivo. Estuvo tocando en dicha población en bares, calles, esquinas, fiestas etc y se esforzó y trabajó su técnica, dedicando una total constancia a la música. La música era su vida y de esta forma todo esto dio sus frutos. Cuando regresó a su Robinsonville volvió a coincidir con Son House y Willie Brown, que quedaron rendidos ante la brillantísima forma de tocar de Robert Johnson. Así nace su leyenda, la vieja leyenda que nos habla de Cruces de caminos, del Diablo y de Almas en venta, una revisión moderna del mito Faústico.

Ya en 1934 todo estaba a su favor, era un reputado músico que iba de un lugar a otro tocando, pero nadie le había propuesto nunca grabar sus canciones hasta que en 1936 un cazatalentos de la discográfica ARC, H.C. Speir lo recomendó vivamente a su compañía abriéndose así la posibilidad de grabar. Se encerró una semana en noviembre de 1936 en un estudio de San Antonio en Tejas y grabó 16 temas. Justo al año repetiría esta vez en Dallas (también en Tejas) y grabaría hasta completar esos míticos 29 temas que nos dejó en herencia.

Dicen que tras ser envenenado en un local de Greenwood, Misisipí murió de neumonía en agosto de 1938. Tenía 27 años.

Gov't Mule fue formada en 1994 como un trío de rock que pretendía recuperar la esencia de las bandas sureñas, blues rock y hard rock de los años 60 y 70, no en vano el proyecto fue impulsado por el guitarrista y vocalista Warren Haynes y el bajista Allen Woody, ambos integrantes de la allman Brothers Band en los años 80, y por el batería Matt Abts, quien tocó con Dickey Betts, el miembro original del pionero grupo de sourthern rock de los hermanos Allman.

Este viernes 12 de marzo, a las 22.00h de España podrás disfrutar del Bootleg oficial grabado el 13 de febrero de este año durante el concierto que ofreció la banda en el Filmore Auditorium, en Denver.

Si eres Suramericano podrás oirlo también en el horario de tu continente, a las 22.00 horas hora de Argentina.

Saludos amigos...

Leroy Carr no tuvo demasiada suerte en la vida, hijo de una familia deshecha vivió dando tumbos hasta que el alcoholismo se lo llevó con poco más de 30 años. Nació en una plantación de Nashville, Tennessee, su padre trabajaba de conserje en la universidad de vanderbilt. Tras la separación la madre se llevó a Leroy y a su hermana a Indianápolis, centro clave de la industria automovilística de la época.

Su gran mérito a destacar fue que aprendió él solo a tocar el piano, autodidacta, asombra comprobar en las viejas grabaciones la solvencia con la que se expresaba en dicho instrumento. Dejó el colegio muy pronto para buscarse la vida viajando de esta forma con un circo o incluso alistándose en el ejercito. Dejó atrás todo eso y en 1925 era ya un artista conocido y clave en tugurios, clubes, garitos y fiestas de la Avenida Indiana, la zona clave de diversión de los negros en Indiana. Precisamente en esa escena conocería a una persona clave en su corta vida, el diestro guitarrista Francis "Scrapper" Blackwell (1903-1962) con el que realizó sus mejores grabaciones y actuaciones, de hecho cuentan que desarrollaron una compenetración que no dejaba indiferente a los demás, Carr al piano y Scrapper a la guitarra eran capaces de hacer arder la pista de baile.

En 1928 realizaron su primera grabación para el sello Vocalion, su primer éxito fue "How long, how long blues" el cual tenía una letra evocadora, melancólica y rural sobre el sentimiento de pérdida y la resignación. A esta grabación le siguieron otras mil veces versionadas por otros bluesmen, "Naptown blues", "Rocks in my bed", "We're gonna rock", "Mean mistreater mama", o "Blues before sunrise", a él le debemos el excelente blues "When the sun goes down" que conocería una excelente versión en la voz y la guitarra de Peter Green. Todas ellas grabaciones clave en la historia del blues.

Tanto Carr como Blackwell eran grandes bebedores y el licor se cobró su peaje, en febrero de 1935 dieron su última actuación y dos meses después el gran Leroy Carr moriría debido a complicaciones derivadas de su gravisima dependencia del alcohol.

Este duo y especialmente el talento de Leroy Carr siempre han estado minusvalorados, resulta innegable su influencia en otros bluesmen de la época como Robert Johnson y quizá el no haber nacido ni el haberse movido luego en los puntos álgidos del blues como el Delta, Chicago o Detroit hayan contribuido a su olvido. Vaya desde aquí nuestro recuerdo hacia ellos.

LUCKY PETERSON (Heart of Pain - 2010) El blues de Lucky Peterson es una música abierta a las corrientes rythm 'n' blues, gospel o funk, y eso le lleva a hacer una música muy accesible al gran público y de gran éxito en sus giras y en la venta de sus discos. Si ya nadie discute que el blues es una de las grandes fuentes de las corrientes musicales contemporáneas, un río cuyos afluentes son hoy el rock o el rap, Lucky Peterson ha remontado la corriente hasta sus mismas fuentes, y su música cobra así la emoción de lo auténtico, la fuerza de lo primigenio, el talento de la sinceridad.  El legendario bluesman Willie Dixon, produjo el primer disco de Lucky, grabado cuando este contaba solo 5 años de edad, de la canción "1,2,3,4" del single, se habló a escala nacional haciendo apariciones en importantes programas televisivos como "The Tonight Show", "The Ed Sullivan Show" y "what´s My Line", mientras el precoz muchacho asombraba en todas partes.

COCO MONTOYA ( i want it all back -2010 ) Coco Montoya lleva una carrera a sus espaldas que supera con creces los 30 años. Ha pasado de tocar la batería en grupos diferentes a liderar su propia banda (en la que canta y toca la guitarra), y a ser cabeza de cartel en los mejores festivales de blues del mundo.
A mediados de los 70 coincidió con Albert Collins en un "bolo". Así se le presentó la oportunidad de trabajar con los Icebreakers, la banda del "master de la Telecaster", con la que colaboró durante 5 años. A lo largo de este período Mr. Iceman empezó a enseñarle a tocar la guitarra y así se convirtió en su mentor.
A principios de los 90, Montoya se encontraba en otro punto álgido y se sintió preparado para un cambio. Apoyado por John Mayall y por su amigo Albert Collins, montó su propia banda y se lanzó a la carretera poniéndose a prueba noche tras noche. Su debut como líder, "Gotta Mind To Travel" se erigió como uno de los favoritos de los fans, críticos y programadores de Blues. Con este cd Coco se convertía en uno de los mejores guitarristas del ranking americano de Blues contemporáneo.
Una vez más estas invitado a disfrutar de esta exclusiva conectado con RADIO "Garito de Blues" hoy 26 de febrero a partir de las 22:00 horas (HORA ESPAÑOLA) y si conectas desde Latinoamérica podrás oir esta emisión a partir de las 22:00 horas (Hora Argentina). Y estate atento a las emisiones durante todo el fin de semana a partir de las 22:00 horas.

Pongo en el fuego la cafetera y espero paciéntemente a que el café suba. Demasiado esperar, decido ir mientras a escoger un disco para oirlo. Repaso los anaqueles lentamente hasta que llego a la "M", la "M" de Muddy Waters. Waters es de lo mejor que tengo en mi discoteca pero al mismo tiempo de lo más trillado, poseo infinidad de discos de él pero ya los oigo poco. Excepto uno que no cansa. Ese disco es "Electric Mud" el elepé más bestia que jamás grabó Waters. Lo saco de su funda y lo coloco encima del plato, es el típico disco al que el ruido propio de los vinilos con solera le da más empaque al sonido.

El café ya ha subido, lo miro en la taza y parece estar diciendo "- Eh tio, te voy a hacer un agujero en el estómago". Le digo que se calle y le echo un poco de azucar para disuadirlo de sus intenciones. Ya con la taza en la mano me siento a escuchar el "Electric Mud", un elepé grabado en plena fiebre hippie con músicos provinientes del avant garde y el jazz. Lentamente la aguja se desplaza y deja escapar por el canal derecho una guitarra afilada y desesperada y por la izquiera la voz de Waters. Carisma destilado junto a guitarras desatadas. Suena "I just want make love to you" y el sonido contundente, aspero y callejero invade la habitación.

Me tomo el café lentamente mientras oigo el elepé, resulta paradógico, ambas cosas tienen mala leche, pero de ambas se disfruta.

Muddy Waters

Electric Mud

1968, Chess Records.

Theodore Joseph Horowitz, su verdadero nombre, nació el 31 de marzo de 1960 en el barrio del Bronx (Nueva York). A Popa Chubby se le apoda el Rey del Blues de Nueva York, y lo cierto es que se sienta merecidamente en ese trono.

El blues que practica Popa Chubby es cosmopolita, como la propia Nueva York, y dialoga con otras músicas callejeras, como el rap, el hip-hop y el rock. Este nativo del Bronx creció escuchando a Otis Redding, Wilson Pickett y Jimi Hendrix, y más tarde se empapó de Led Zeppelin, Johnny Winter y Rolling Stones.

En el corazón de su estudio, situado en un sótano, utiliza su talento para mezclar blues, jazz, rock, funk, soul y rap hasta obtener un nuevo estilo de música denominado New York City Blues, del que Popa Chubby es el líder por excelencia. Se caracteriza por ser una música urbana, cruda y auténtica. Popa Chubby inició su carrera como músico independiente al crear su propio sello discográfico, denominado Popa Chubby Productions, en el que no sólo produce sus propios discos, sino también a numerosos artistas neoyorquinos.

En cuanto a su discografía más reciente, destaca el álbum Peace, Love & Respect (2004). La inspiración inicial de este disco es el amor; pero los atentados del 11 de septiembre en Nueva York dieron un tono mucho más intenso y dramático a la grabación en estudio. La angustia contenida es perceptible a lo largo de todo el disco y no disimula cierta desesperanza presente en sus letras.

En el disco posterior, Wild Live (2005), podemos encontrar 70 minutos del mejor Popa Chubby, en el que retoma títulos de sus tres últimos discos. Sus producciones más recientes son Stealing the Devil’s Guitar (2006), Electric Chubbyland (2006) y Deliveries After Dark (2008).

Y ahora dos años después se edita este nuevo albúm y primero de estudio THE FIGHT IS ON que podrás oir en exclusiva en tu "Garito de Blues" a partir de las 22.00h hora española y también a las 22.00h hora de Argentina en un segundo pase, te esperamos!!!

Los detractores y enemigos de la música y el sonido de Nehemiah "Skip" James (Bentonia, Misisipí 1918-Chicago, Illinois 1969) cuando quieren destruir su imagen y su mito, siempre tienden a argumentar lo ridículo del tono de su voz. Por otro lado los que aprecian realmente su música tienen en él a un referente de sonido único, melancólico, inimitable y maravilloso.

Hubo una vez quien dijo que el sonido de Skip James era como ver una fotografía decimonónica del más bello paisaje. Ese es el aspecto principal de las cosas que perduran pero que a la vez se pierden. Perviven en nuestros equipos de alta fidelidad y mueren en el momento en que su creador fallece. Quedan pues, sus ecos en el tiempo, ecos de algo irrepetible e inimitable.

Skip comenzó a tocar el piano y la guitarra a la temprana edad de doce años influenciado por uno de sus vecinos. Este vecino, si bien nunca grabó, si fue uno de los precursores del estilo de Bentonia, es decir arpegios entrecortados, notas bruscas, rupturas de ritmo, la guitarra afinada en re menos abierto y, a diferencia de la mayoría de los otros estilos del Delta, no recurría al bottleneck o slide. Estas eran las características de su sonido, maestro del fingerpicking, la voz aguda y evocadora.

Skip James fue una anomalía en su tiempo, fue un negro con acceso a la educación y a los estudios, motivo por el cual tuvo varias vocaciones, entre ellas la de docente y la de reverendo, aparte de la de músico claro que fue por la que se decidió. Se trasladó a Jackson (capital de Misisipí) y allí tocó en garitos e hizo amigos. En 1931 su fama era considerable hasta que H. C. Speir le grabó en unos estudios de Wisconsin. De allí salieron 26 temas entre ellos sus clásicos "Devil got my woman" y "Hard times killing floor blues", una composición conmovedora sobre la gran Depresión del 29.

Sin embargo James conoció el éxito de sus propias canciones en las versiones de otros antes que en la suya propia. Así, versiones de "Devil got my woman" como "Evil devil blues" de Johnny Temple o "Me and the devil" de Robert Johnson alcanzaron el éxito rapidamente, cosa que desmoralizó a James, quien durante los proximos 30 años se dedicaría a su faceta de pastor abandonando asi la música.

En 1963 seían tres yanquis (John Fahey, Bill Barth y Henry Vestine) quienes lo rescatarían para el mundo de la música actuando unas semanas más tarde en el festival de Newport ante miles de jóvenes, peludos y pálidos a los que llegó a conquistar. Las crónicas dicen que fue una actuación memorable y apoteósica. Algo casi impensable para alguien apartado de la música durante más de 30 años.

A partir de ese punto Skip James conoció el reconocimiento de músicos y aficionados hacia su música y hacia su arte. Gente como Eric Clapton al frente de sus Cream hacían versiones de sus temas al tiempo que el propio Skip volvía a los estudios para inmortalizar su obra tal y como hoy la conocemos.

En 1969 el cáncer acabó con su vida. Dios lo tenga en su gloria.

"Funky Tortillas" es el título del álbum que reune a estos dos astros del panorama del Blues y del R&B. Por un lado el veterano originario de Chicago Tino Gonzales con su Blues y su R&B salidos del alma y por otro los jóvenes bluseros gallegos de los Reyes del K.O.

Han pasado 10 años desde que el de Chicago abandonara los States para residir y trabajar en Europa, en este tiempo ha grabado cuatro elepés con el sello francés Dixiefrog y ahora llega este disco en el que se ha aliado con el fiero duo español de los Reyes del K.O. para grabar un buen puñado de temas elegidos por ellos mismos.

Llamados el Buddy Guy y el Junios Wells de Europa, los gallegos de los Reyes del K.O. ofrecen una sorprendente mirada a lo que el futuro puede deparar para el Blues. La habilidad con la guitarra de Adrián Costa está cerca de la brillantez y en cuanto a la armónica de Marcos Coll su sonido acrisola todo lo aprendido de los grandes, al tiempo que es enriquecido con el fiero, apasionado y diestro toque de su propia personalidad.

Podréis oir este "Funky Tortillas" esta noche día 12 de febrero a partir de las 22.00h (hora española) en:

Saludos a todos, este es un post puede que para guitarristas avanzados y trata sobre las clases en video que Francisco Simón, guitarrista del grupo español de blues Red House tiene compartidas en el portal Youtube. Nuestro amigo Frandiper tuvo la oportunidad de verlos en el Festival de Blues de Antequera y le gustaron muchísimo.

Francisco Simón cuenta con una extensa trayectoria, aparte de sus numerosísimos conciertos por toda España con bandas principalmente de Blues, a tocado con artistas internacionales como Tom Jones, Jerry Lee Lewis, Willy De Ville, Paul Collins, Kenny Neal o Collin James. Y en el ámbito nacional con gente como Enrique Urquijo, Diego Vasallo, Duncan Dhu, Antonio Flores, Rosendo, Nancho Novo o Miguel Rios.

En esta banda también está el reconocido cantante californiano Jeff Espinoza, el cual ha estado con artistas de la talla de Little Richard, Jerry Lee Lewis, Double Trouble (grupo de Stevie Ray Vaughan), Raimundo Amador, Rosendo o Nancho Novo. También fue cantante de la Vargas Blues Band, con ellos grabó los álbumes Madrid-Memphis, Blues Latino y Texas Tango.

Como decía arriba puede que las clases en video de Francisco Simón no sean tan claras como las de Ociosu y que tal vez sean para guitarristas ya con una trayectoria. Aquí os dejo el primer video de sus clases, todos llevan la misma nomenglatura, "Curso de Blues 1, 2, 3....n"

Por supuesto le pido permiso a Ociosu y también tengo que decir que no se trata de hacerle la competencia ni nada por el estilo. Un saludo a todos.

Al parecer Elmore James tuvo varios hijos durante su vida, uno de los pocos reconocidos fue Earnest Jonson, más conocido como Elmore James Jr. que incluso llegaría a tocar la batería en la banda de su padre.

Siendo joven Earnest recibiría lecciones de guitarra slide de su padre, si bien al principio no mostró mucho interés. Pero al llegar a los cuarenta se interesó en tocar la gran música de su padre porque tuvo el sentimiento de sentirse responsable de interpretarla en el estilo blues tradicional.

Elmore James Jr. ha tocado con muchas bandas diferentes a lo largo de los últimos diez años, en la actualidad tiene una banda integrada por seis músicos y toca la mayor parte de las canciones de su padre. El sonido de su banda es realmente excelente ya que con Jake Dawson en la guitarra, ex-integrante de Willie Kent's Gent y Teardrop y Ed Williams en el saxofón (ex de Vance Kelly), su música no es solo tradicional sino que también tiene un toque moderno, así que en este disco que emitiremos este viernes dia 5 de febrero a las 22.00h y que está recién editado podemos oir a una de las mejores bandas de blues clásico de Chicago de hoy en día. Ellos son Elmore James Jr. and The Broomdusters.

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El gran Elmore James nació el 27 de enero de 1918 en una pequeña plantación en Richland, Misisipí y, bendito sea el destino, siendo niño se quedó tremendamente impresionado por la actuación de unos guitarristas hawaianos que andaban girando por su región. Esto le confirió al joven James un gran gusto por la música y más concretamente por la guitarra.

En su juventud dividía su tiempo entre el trabajo en la plantación y los juke-joints del Delta en los que tocaba en compañía de otros músicos como Robert Johnson, Robert Jr. Lockwood, Rice Miller (más conocido como Sonny Boy Williamson) o Howlin' Wolf. Músicos, en definitiva que contribuyeron a consolidar y formar su estilo propio.

Maestro absoluto del slide o bottleneck, su sonido puede calificarse de crudo, seco, duro, cortante, contundete y furioso siempre con una guitarra eléctrica llevada al límite desde el punto de vista de la amplificación y que aún hoy en día supone uno de los sonidos más reconocibles y personales de la historia del blues.

Tras varios intentos fallidos de Alan Lomax por grabarle a principios de la década de los 40, no sería hasta diez años máss tarde cuando James dejara constancia física de su sonido en el pequeño sello "Trumpet". El tema elegido sería, como no, "Dust my broom" que supondría un éxito absoluto en todo el sur y más al norte en ciudades como Chicago.

En la década de los 50 su sonido se enriquecería con alguna sección de metales y con la colaboración de músicos como Ike Turner o Sammy Myers. Pero su precaria salud no le permitiría viajar, girar o colaborar con otros músicos tanto como hubiese sido deseable.

Ya en la postguerra, hacia finales de la década de los 50 sería uno de sus admiradores, el productor Bobby Robinson quien se encargaría de renovar su sonido y de dotar a Elmore James de nuevos temas para su repertorio, actualizando así su figura para los años venideros y que quedaría ya cincelada de forma permanente para la historia de la música afroamericana del siglo XX. Los temas grabados con la producción de B. Robinson (Sky is crying, It hurts me too, Every day I have the blues etc) son verdaderamente excelentes en todos los sentidos.

El 23 de mayo de 1963 moriría de un infarto, justo cuando se estaba preparando su primera gira europea, continente en el que tenía adeptos como Peter Green o Jeremy Spencer de Fleetwood Mac.

Charlie Patton nació en Bolton, Misisipí hacia 1881 y murió en Indianola también Misisipí el 28 de abril de 1934. De él hay quien afirma que fue el padre del Blues del Delta, pero lo cierto es, en cualquier caso, que fue su gran impulsor. La rotundidad, contundencia y solvencia de su música le proporcionaron un nombre. Y su influencia se aprecia en otros bluesman del Delta como Robert Johnson, Bukka White o Son House asi como en otros músicos que acabarían por acrisolar el blues eléctrico en Chicago como Muddy Waters, Willie Dixon o Howlin' Wolf.

En sus composiciones se narraban la vida, costumbres y sucesos de sus contemporáneos.  Cuentan que se hizo músico para escapar del trabajo en la plantación convirtiéndose en una suerte de showman con un gran repertorio para blancos y negros.

Patton grabó entre 1929 y la fecha de su muerte para el sello Vocalion y principalmente para Paramount, herencia que aún pervive.

Vaya desde aquí  nuestro recuerdo para él, su vida y su música.

".....si pudiese grabar por placer, solo grabaría canciones de Charlie Patton...." Bob Dylan.

Y recordad que podéis oir buen blues en Radio Garito de Blues

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Saludos amigos.

Kelly Rucker mide tan solo metro y medio pero no os dejéis engañar por su pequeña talla ya que es, sin duda alguna, un gran talento cantando y dándole a la armónica.

En el curso de una carrera profesional en la que ha invertido más de 25 años, ha aparecido en las grabaciones y en los escenarios de leyendas como Dizzy Gillespie, Stephen Stills, Albert Collins, James Cotton, ZZ Top, Dan Hicks, Warren Zevon, Little Feat o B. B. King.

Comenzó a tocar la armónica a la edad de 12 años y como adolescente tuvo el hábito de escaparse a hurtadillas a los clubes de blues para ver actuaciones impresionantes de Johnny Winter, James Cotton, James Montgomery y Roomful of Blues entre otros.

A los 17 se dirigió a Denver, donde formó su primera banda de blues, Blues for Breakfast, aunque poco después y extrañando el clima del sureste volvió a Florida donde unió sus fuerzas con las de la Bill Blue Band, con quienes eventualmente llevó a cabo una gira por Escandinavia. En 1985, Rucker llega al sur de California y se queda por un breve periodo de tiempo en San Diego antes de migrar al norte de Los Angeles donde se une a la guitarrista de Albert Collins, Debbie Davies con la que forma una banda y gira por la Costa Este durante más de dos años.

Al evolucionar su forma de tocar buscó expandir sus horizontes musicales uniéndose al guitarrista de blues rock B. B. Chung King y más concretamente a su banda The Screaming Buddhaheads.

Su trabajo también se puede encontrar en trabajos de artistas como los gloriosos L.A. Guns, Corey Stevens, Comerciales de televisión y en el film Born in Oklahoma City.

Escucha buen blues de todas las épocas en

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Fred McDowell fue un granjero nacido en Rossville, Tennessee en 1904. Asentado en Como, Mississippi aprendió a tocar la guitarra por sí mismo hacia 1933. Pero sería años después, en 1959, cuando Alan Lomax, en uno de sus míticos viajes en busca de talentos lo descubre y lo hace grabar.

Maestro del bottleneck, autodidacta y con una voz llena de carisma y melancolía, grabó en 1964 para el sello Arhoolie consiguiendo así un nombre en el mundillo del Blues del Delta, lo que daría pie a su inclusión en el circuito folk de festivales, girando así por Norte América y por Europa.

McDowell fue en su día un artista respetado por el público joven, blanco y universitario además de por otros artistas. Sin ir más lejos, los mismísimos Rolling Stones grabaron en su elpé de 1971 titulado "Sticky fingers" el glorioso tema "You got to move". Perteneciente al repertorio de Fred McDowell.

Con los royalties generados por la grabación mencionada en el párrafo anterior pudo abandonar su vida de granjero y abrir una gasolinera que regentaría por un periodo breve ya que en 1972, un año más tarde, sería victima del cancer.

Comenzamos hoy un viaje a la largo del mapa histórico y contemporáneo del blues. Sus nombres, sus sonidos, sus lugares...

Cuando ya hace algunos años empecé a oir blues gracias a los discos de mi hermano mayor, no sospechaba siquiera el gran calado y la trascendencia que iba a tener en mi vida esta música. De pronto una tarde me preparé un café y mientras me lo tomaba tranquilamente cai en la cuenta de que mis exploraciones a lo largo del mapa del blues estaban lejos de ser definitivas, que harían falta varias vidas para llegar a conocer a oir a apreciar todo el movimiento blues en su justa medida.

Mediante este blog intentaremos que el blues esté más cercano a todo aquel que se vea atraido por su sonido.